jeudi 29 novembre 2007

Jean Nouvel: Interview 2007




what is the best moment of the day?
I am a night bird so I prefer the evening and the night.

what kind of music do you listen to?
I listen to the music my girlfriend prefers because
I can discover a lot of things. I must say that I love
the human voice. I like opera, religious songs,
for example french 11th century polyphony -
the 'chante de l'ecstase'. but also singers,
for me the human voice is the most emotional thing.

what books do you have on your bedside table?
'the book of disquiet' by fernando pessoa,
because it's so peaceful. it is a permanent lesson of
philosophy and when you are a little bit too busy like me,
a little bit excited, it is necessary to have this kind of let go.

do you listen to the radio?
in the car.

where do you get your news from?
I am a paper eater! everyday I buy the daily newspaper.
every week all the weekly magazines because I travel a lot.

I guess that you notice how women dress, do you have any preferences?
sometimes it has to be casual sometimes it has to be more
elegant. it depends on the moment.

what kind of clothes do you avoid wearing?
I am always in black so it is very easy.
I avoid everything else.
black in spring, autumn and winter, but in the summer months,
when I am in the south of france, I wear completely white.

do you have any pets?
not really.
some mosquitos! (laughs)

do you discuss your work with other designers?
I discuss architecture with a lot of my friends because
I work with a lot of consultants and I organise advisors
with whom I have recurrent discussions with over
long periods. we think similarly and understand
each other. for every project I find the right team of consultants
to do different things, ... but in france we don't have a
'salon of architecture'.
it's a pity.
I think the spirit of everyone is to be alone.

where do you work on your projects?
in my bed, around the table in restaurants with
everyone talking, and sometimes at the big table in
my office also. there is something very alive in this
contrast between big meetings of brainstorming
and after, alone in the silence. I spend a lot of time
in silence.

could you describe your style as a good friend of yours might?
my research is always around the idea of specificity
and I don't like to repeat the same vocabulary or to
do the same architecture on every spot on the earth.
I always research good reasons to do one thing in
a specific place, one thing with these people and
all the good reason to create something unique.
matter and light is the big question of the epoch and
the meaning of the world.
you have to work and every work has to ask a question
in these dimensions.

can you describe an evolution in your work from your first projects to the present day?
I am not in the best place to see that. I think it is always
the same brain, the same feeling behind the work
so I research every opportunity to do something in
one way and not in another but I always have this
question of 'identity'.
I would say 'modification of space', for short or long
periods, to create a kind of 'little world' at the same time
to extend the known world.

can you go more into detail?
it is important is to consider that each place is a stage in
a mutation. but there is also a geographic and historic
continuity.I prefer projects that begin with the idea of
modification rather than disconnecting from the context.
my attitude is not modest. I always wish to do a project
full of simplicity, delicacy, depth.
projects which maintain the spirit of the location,
the desire of people, of the city or countryside,
of the buildings that came before it.

where is ethics in architecture?
there is the desire to analyze and understand the world.
but this should not prevent us from expressing something,
from inventing, and in that sense 'utopia' is a part of our work.
I think now with all the cloning and repetition of
the same buildings across the world, the world has
become smaller and smaller. I think we have to evolve if
it's possible to create differences.
not for the sake of it, but 'differences' as signs of deeper
understanding.

are there any architectural works from the past that have influenced you particularly ?
I am very sensitive to the 'architectures of light',
the many cathedrals and the churches of the 11th and
12th centuries, for example, the 'saint chapelle' chapel in paris,
or much later, the 'maison de verre' by pierre chareau.

and those architects still working today...
of course, of course a lot.
it is always a difficult game because I can give you ten names.
after that, why ten and not eleven?
it is a big question.

do you have any advice for the young?
no I do not like to give advice.
every person has his own reasons, would need to to analyse
them and find his own path.

so you don't teach?
I refuse to teach, always.
I am the son of two teachers and for me to teach is a
very very difficult job.
you have to try to know your pupils very well and to
push them to their own epanouissement (blossoming).
I find lecturing very difficult, the only thing I can consider,
an effective way to teach a little bit, is in a workshop -
to have people working with me. afterwards they can use
their acquired knowledge with their own judgment and
choose their own working relationships.

is there anything that you're afraid of regarding the
future?

I am not afraid of the future, no. I don't care about
the future. I care about the present.
on a political level there are some issues which are
important and some which are not, but I am optimistic.
I think that the story of humanity can go in the right direction
and it does not always need to go in the worst way.



Jean Nouvel





Jean Nouvel was born in fumel (lot-et-garonne), south-west france in 1950.
he studied at the ecole nationale supérieure des beaux arts
in 1966 until he received his diploma in 1972.
between 1967 and 1970 he worked as the assistant
to claude parent and paul virilio and then associated
with françois seigneur between 1970 and 1972.
after his graduation he began his collaboration with
gilbert lézénès and françois seigneur which lasted until 1981.
nouvel was co-founder of the french architect movement
'mars' in 1976 and of the 'syndicat de l'architecture'
the following year. between 1981 and 84 nouvel again
collaborated with gilbert lézénès and pierre soria.
he founded 'nouvel and associates' in 1984, working with
jean-marc ibos, myrto vitart and emmanuel blamont
until creating JNEC (jean nouvel et emmanuel cattani) in 89.
he established his current practice AJN 'ateliers jean nouvel'
in 1994. his most celebrated works include the
arab world institute in paris, the lyon opera house
and the cartier foundation headquarters.
nouvel has received many prestigious awards including
winning the competition for the arab world institute in 1981
the grand prix d'architecture 1987, the equerre d'argent
(french building of the year) in 1987 & 1993.
he has been given an honorary fellowship to the american
institute of architects chicago (1993) and to the royal
institute of british architects (1995). in 2006 he won
'creator of the year' from maison and objet exhibition
and the arnold w. brunner memorial prize in architecture.

Source: www.designboom.com
Jean Nouvel website: www.jeanouvel.com

Jean Nouvel pointe une tour vers le ciel de Manhattan




L’architecte français a dessiné un spectaculaire immeuble fuselé pour New York. Voisin du MoMA, il devrait s’élancer à 350 mètres à la fin 2011.

New York aura son pic épatant, sa flèche époustouflante. Cette tour qui devrait être pointée vers le ciel de la cité à la fin de 2011 sera signée Jean Nouvel. L’architecte français, qui a construit le Musée du quai Branly mais dresse aussi d’autres gratte-ciel de Barcelone à Doha, avait remporté au printemps un concours international organisé par la société d’immobilier Hines. Et avec ses esquisses dévoilées le 15 novembre, Jean Nouvel s’immisce dans le mythe de Manhattan, ce quartier dont les héros s’appellent Empire State ou Chrysler Building. Mieux, avec cette « tour Verre », il serait sur le point de réveiller la légende. Avec ses 350 mètres, le futur édifice ne sera pas seulement une des quatre ou cinq plus hautes tours de la ville. À lire le New York Times, il promet aussi d’être la création « la plus exaltante dans le skyline » depuis bien longtemps.

Entre les 53e et 54e rues, à partir d’un petit parking de 1 800 mètres carrés, voisin du Museum of Modern Art, le fameux MoMA, va se dresser cette étonnante aiguille qui, de surfaces planes en pans obliques, parviendra à se hisser à 75 étages. Fidèle à sa conception d’une architecture définie pour un contexte précis, Jean Nouvel souligne que la forme est née des contraintes du site : « Elle épouse son contour puis se réduit pour entrer dans le gabarit constructible. »

Une icône de réputation internationale

Pour se tenir sur une si faible assise, la tour Verre s’appuiera sur son tronc central et surtout sur une structure périphérique en poutres croisées. Le maillage asymétrique sera très présent dans les espaces intérieurs et identifiable depuis l’extérieur, grâce à son empreinte sérigraphiée sur la façade. La tour semblera enserrée dans une grande « toile d’araignée gris le plus abstrait ou encore “battleship”, la couleur des navires de guerre », décrit Jean Nouvel.

L’architecte avoue pourtant que sa tour effilée aurait pu avoir une autre forme. « Lors du concours, il était demandé de faire deux propositions, raconte-t-il. J’avais donc aussi imaginé un autre immeuble, plus parallélépipédique. Autant dire qu’il a surtout servi de faire-valoir à celle-ci. » Les investisseurs se sont laissés tenter par cette audace, sans doute conscients qu’ils pouvaient s’offrir une icône de réputation internationale.

Certains objecteront peut-être que dans la cité américaine, les gratte-ciel ont les épaules plus carrées. Mais Jean Nouvel les renverra aux dessins de Hugh Ferriss. Au début du XXe siècle, cet architecte américain traça un New York hérissé d’immeubles en pointes qui, dit-on, inspira générations de constructeurs ainsi que les créateurs de l’étrange Gotham City où évolue Batman. Pour Jean Nouvel, sa tour est donc « très new-yorkaise ».

À terme, la tour offrira quelque 66 000 mètres carrés qui permettront d’abord au prestigieux voisin de l’ouest, le MoMA, de disposer de nouvelles galeries. Viendront s’y ajouter des commerces au rez-de-chaussée et un hôtel d’une centaine de chambres. Cet immeuble offrira enfin quelque 45 à 50 étages de logements.

«Plus on montera, plus ils seront exceptionnels, les derniers appartements auront une vue à 360 ° sur Manhattan », annonce Jean Nouvel. Comme si la tour Verre ne faisait déjà pas suffisamment rêver…

Marie-Douce Albert

Source: lefigaro.fr
Jean Nouvel pointe une tour vers le ciel de Manhattan

mercredi 28 novembre 2007

Pour Abou Dhabi, la culture est stratégique




C'est un tout petit panneau, perdu à Abou Dhabi dans l'exposition consacrée à l'urbanisation de l'île de Saadiyat, qui doit accueillir en 2012 plusieurs musées, dont le Louvre (Le Monde du 8 mars). Un petit panneau qui schématise l'évolution des ressources économiques des Emirats arabes unis : en 1975, le pétrole comptait pour 67,7 %. En 2005, sa part a chuté de moitié, à 32,8 %. Dans le même temps, les sociétés de services ont suivi le mouvement inverse, passant de 21,2 % à 42 % dans l'économie des Emirats.

L'exposition elle-même, qui regroupe quelques maquettes spectaculaires des architectures futuristes de Tadao Ando, Frank Gehry, Zaha Hadid ou Jean Nouvel, semble tout aussi perdue, dans le bâtiment démesuré qui l'abrite. Un hôtel, peut-être un des plus vastes au monde, au luxe tapageur. Les deux très jeunes Emiratis qui y arrêtent leur Porsche, faisant élégamment crisser les pneus sur le sol dallé de marbre du parking, semblent trouver cela naturel.

Ils viennent visiter une des nombreuses expositions qu'accueille l'hôtel. Peut-être celle, naguère inaugurée par Vladimir Poutine, consacrée aux trésors du Musée du Kremlin. A moins qu'ils ne soient là pour assister à une des deux conférences du jour, celle sur les yachts de luxe ou celle sur les fusils de chasse Holland & Holland, sans doute parmi les plus beaux et les plus chers du monde.

Ou peut-être veulent-ils voir la foire Art Paris, qui se tient ici pour la première fois, jusqu'au 29 novembre... "Notre présence à Abou Dhabi s'inscrit dans une stratégie des autorités de l'émirat visant à se démarquer de leur voisin de Dubaï", explique Caroline Clough-Lacoste, à l'origine de la transplantation de la foire d'art parisienne des bords de Seine à ceux du golfe Persique.

Dubaï a en effet anticipé le tarissement de la manne pétrolière en développant à outrance les services bancaires et le tourisme : l'émirat reçoit désormais plus de visiteurs que l'Egypte ! Avec 120 millions de passagers annuels, la destination est en passe de devenir un hub international. La compagnie aérienne locale, Emirates, a prévu d'acheter un avion par mois jusqu'en 2012 et a déjà passé commande de plus de cinquante A 380.

Abou Dhabi préfère miser sur la culture. Depuis 2006, la très vénérable université de la Sorbonne y dispense des cours. Sous son égide, le professeur Serge Lemoine, également directeur du Musée d'Orsay, a donné le 25 novembre une conférence devant une salle bondée sur l'art du XXe siècle, en souhaitant voir se "créer une élite émirienne dans le domaine culturel", mais aussi en l'inscrivant explicitement dans la perspective d'une préparation des esprits aux oeuvres modernes qui allaient être révélées au public à l'occasion de l'inauguration le lendemain de la foire ArtParis.

Même si Serge Lemoine est un fin connaisseur du marché, une alliance entre université, musées et commerce est inhabituelle en France. Ici, elle semble naturelle. "Nous avons des conférences de la Sorbonne, mais aussi de la maison de vente Sotheby's ou de Drouot, souligne Zaki Nusseibeh, conseiller auprès du Palais pour la culture et le patrimoine. L'enjeu est de former la jeunesse, qu'elle puisse apprécier autant une exposition d'art islamique que de Picasso."

Formation : le mot est omniprésent, dans une région qui accueille depuis bientôt vingt ans l'un des principaux Salons consacrés à l'enseignement supérieur, le Getex (Global Education and Training Exhibition, Le Monde du 7 novembre 2006).

"Nous avons besoin d'experts", explique Ali Khadra, fondateur de la plus importante revue d'art de la région, Canvas, et qui a créé une structure spécifique, Canvas Education, destinée à faire venir dans douze villes du Moyen-Orient des professeurs du monde entier. "En histoire de l'art, mais aussi en commerce, précise-t-il. Il faut nous préparer à l'ouverture des musées de Saadiyat en 2012. Ce sont des bombes, et on ne peut pas les larguer comme ça. Pour étudier, ma génération devait partir à l'étranger. La jeunesse actuelle, même si elle voyage et parle souvent plusieurs langues, doit pouvoir recevoir une éducation locale."

Mais il n'est pas question de provoquer un choc culturel trop violent. "Nous ne voulons pas aller trop vite, indique Caroline Clough-Lacoste. C'est pourquoi nous avons privilégié des galeries plutôt "classiques". Dans deux ou trois ans, nous pourrons aller vers des oeuvres plus contemporaines." Avis partagé par Ali Khadra : "Il faut s'ouvrir, tout en préservant son identité, imaginer un mélange harmonieux entre Orient et Occident. Ainsi, c'est une exposition sur la calligraphie orientale qui ouvre la foire ArtParis Abu Dhabi. L'art contemporain peut intimider. Si ArtParis est mieux appropriée que d'autres foires peut-être plus cutting edge, c'est précisément par leur volonté de faire les choses graduellement, en commençant par l'impressionnisme et l'art moderne. Le reste viendra plus tard."

Cette prudence, mêlée d'incertitude, rejaillit sur les stands de la quarantaine d'exposants qui essuient les plâtres de cette première, mais lui confère aussi un caractère hétéroclite. Les habitués du circuit des manifestations internationales feront la moue. Pourtant, comparé au manque de discernement local, où la pire des croûtes peut faire l'objet de la plus grande attention, le niveau est très honorable. Avec une tendance marquée à l'abstraction, les galeristes européens n'ayant semble-t-il retenu de la culture arabe - pourtant bien plus complexe - que l'interdit religieux de la représentation. Sur le stand de la galerie Lahumière, rien d'étonnant, elle défend depuis toujours l'abstraction géométrique. Chez Daniel Templon, qui consacre tout son espace à Vasarely, on est plus proches du choix stratégique.

Mais le marchand qui a sans doute le plus investi, selon tous les sens du terme, dans l'événement est le Parisien Enrico Navarra. Outre son stand, il a installé sur la corniche qui domine la plage une vingtaine de sculptures monumentales d'artistes aussi divers que Jean-Pierre Raynaud, Keith Haring, Kenny Scharf ou l'Indien Subodh Gupta. Les personnages hilares du Chinois Yue Minjun montent pour leur part la garde à l'entrée du centre culturel où se tenait la conférence de Serge Lemoine.

De son propre aveu, l'opération lui a coûté environ 300 000 dollars. Une somme dérisoire comparée aux 800 000 dollars engloutis dans un projet parallèle : "Après la signature du contrat liant le Louvre à Abou Dhabi, raconte M. Navarra, j'ai senti qu'il se passait quelque chose d'important dans le monde arabe. Nous avons constitué une équipe pour explorer la situation. Accompagnée d'un photographe de guerre, Enrico Danino, elle a fait le tour du Moyen-Orient, de la Syrie à la Tunisie, en passant par l'Egypte, pour y repérer la création contemporaine. Au départ, j'envisageais d'en faire un livre d'environ 500 pages. Nous en sommes à 1 001 !"

Il n'était pas question pour lui de participer simplement à une foire de plus : "Là, je n'y aurais pas mis 10 balles ! Ce sont les Emiratis qui m'ont convaincu. Avec leurs projets d'île de musées, ils sont en train de changer la vision que le monde porte sur eux. Je pense que l'on va assister ici à un phénomène comme celui qu'on a connu à Miami, où l'irruption de l'art contemporain, via la Foire de Bâle, a bouleversé l'image de la ville. C'est un véritable phénomène de société." Ce qu'espère aussi Ali Khadra : "J'ai des amis, sans grands moyens ni connaissance en matière d'art, qui projettent déjà de venir à la foire avec leurs enfants. Comprenez : ici, le désert est aussi culturel. L'envie est énorme."

Harry Bellet

Source: lemonde.fr
Pour Abou Dhabi, la culture est stratégique

samedi 24 novembre 2007

John Chamberlain





There has never been a consensus on how to classify and evaluate the art of John Chamberlain. In the early 1960s, when his art matured, it seemed to many to be the quintessential, if belated, Abstract Expressionist sculptural statement; its vigorously gestural, visceral abstract idiom was seen as falling within a direct line of descent from the art of Willem de Kooning and Franz Kline.1 To others who focused less on its form than on its material—crushed automobile parts in sweet, hard colors, redolent of Detroit cars of the 1950s—it was more appropriately aligned with the contemporary work of many Pop artists.

By the end of the 1960s, Chamberlain had replaced his signature materials initially with galvanized steel, then with urethane foam and mineral-coated Plexiglas, and finally with aluminum foil, all in the guise of pristine raw material that was variously wadded, compacted, and compressed according to its individual structural properties. Alignments with Process art were then discerned. Affinities with the art of Donald Judd, Chamberlain's longtime supporter and most discerning critic, were also detected, as at other moments in this heteroclite's career. In the mid-1970s, further eluding easy classification and forestalling prediction, he reverted to using automotive parts after a seven-year-long sabbatical.

Chamberlain has since continued to deploy this distinctive material in increasingly inventive ways. While encouraging assistants to improvise freely on his established set of elements by further cutting, crushing, torquing, and crimping them, he has also elaborated their enameled surfaces by spraying, stenciling, dribbling, graffitiing, and airbrushing additional coats of brilliant hues—hot, jazzy, tropical, and even raucously patterned. Ever ready to capitalize on accidental and chance occurrences, Chamberlain has occasionally resorted to a more restricted palette of, say, luscious black, cream, and chrome, as found in Dooms Day Flotilla of 1982. Such temporary restraints only enhance the sumptuous efflorescence of his usual ebullient rainbow spectrum.

Chamberlain's range of given forms has likewise expanded over the years. As an indigent young artist he was drawn to scrap metal primarily because it was free and plentiful. Consequently, he embraced a miscellany of secondhand metals, found in such diverse objects as kitchen cabinets, buckets, and steel benches, as well as the more ubiquitous crushed car parts.2 He later ordered boxes constructed to his specifications in galvanized steel or Plexiglas and appropriated metal barrels fresh from the fabricator. When he returned to automotive material in the mid-1970s, he streamlined his repertoire by concentrating selectively on particular car parts—fenders and bumpers at one moment, truck chassis at another. The recent works' parts—which have been transfigured into narrow, crenellated, ribbonlike forms—have less decipherable industrial origins: devoid of rust or other evidence of aging, they bear few traces of their past lives. Such formal shifts and feints in Chamberlain's vocabulary over a period of some four decades reveal the restlessness of this obsessive, agile artist, whose oeuvre extends beyond sculpture and related modes to film, printmaking, painting, relief, language, environmental sculpture, and even more exploratory vehicles, not least of which are the remarkable "barges" and smaller foam couches.

Read the left part of this Essay by Lynne Cooke at Dia Art Foundation

Guggenheim John Chamberlain s biography

John Chamberlain on Gallery Walk

Hahn Beer





vendredi 23 novembre 2007

Wayne Thiebaud





Wayne Thiebaud (born Mesa, Arizona, November 23, 1920) is an American painter whose most famous works are of cakes, pastries, boots, toilets, toys and lipsticks. His last name is pronounced "Tee-bo." He is associated with the Pop art movement because of his interest in objects of mass culture, however, his works, executed during the fifties and sixties, slightly predate the works of the classic pop artists. He has also been seen, due to his true to life representations, as a predecessor to photorealism. Thiebaud uses heavy pigment and exaggerated colors to depict his subjects, and the well-defined shadows characteristic of advertisements are almost always included in his work. Although he painted scenes of San Francisco and worked in Northern California, Thiebaud does not categorize himself as part of the Bay Area Figurative Movement in California in the latter part of the 20th century.[1]

Source: Wayne Thiebaud Wikipedia s page

jeudi 22 novembre 2007

Alien VS Predator



Merci Thomas!!!

Thomas s blog

"Youth without youth", directed by Francis Ford Coppola





Youth Without Youth is a 2007 film by Francis Ford Coppola, based on the novella of the same name by Romanian author Mircea Eliade.

Youth Without Youth (Romanian: Tinereţe fără tinereţe) is a 1976 novella by Romanian author Mircea Eliade. It follows the life of Dominic Matei, an elderly Bucharest intellectual who experiences a cataclysmic event that allows him to live a new life with startling intellectual capacity. In 2007, it was adapted into a film by Francis Ford Coppola, also titled Youth Without Youth.

Source: wikipedia

Alberto Giacometti







Born in Borgonovo, now part of the Swiss municipality Stampa, near the Italian border, Giacometti moved to Geneva to attend the School of Fine Arts.

In 1922 he moved to Paris to study under the sculptor Antoine Bourdelle, an associate of Auguste Rodin. It was there that Giacometti experimented with cubism and surrealism and came to be regarded as one of the leading surrealist sculptors. Among his associates were Joan Miró, Max Ernst, Pablo Picasso and Balthus.
Alberto Giacometti, Cat, 1954, Metropolitan Museum of Art
Alberto Giacometti, Cat, 1954, Metropolitan Museum of Art

From 1936 to 1940 Giacometti concentrated his sculpting on the human head, focusing on the model's gaze, followed by a unique artistic phase in which his statues became stretched out; their limbs elongated. Obsessed with creating his sculptures exactly as he envisioned through his unique view of reality, he often carved until they were as thin as nails and reduced to the size of a pack of cigarettes, much to his consternation. A friend of his once said that if Giacometti decided to sculpt you, "he would make your head look like the blade of a knife." After his marriage his tiny sculptures became larger, but the larger they grew, the thinner they became. Giacometti said that the final result represented the sensation he felt when he looked at a woman.

His paintings underwent a parallel procedure. The figures appear isolated, are severely attenuated, and are the result of continuous reworking. Subjects were frequently revisited: one of his favorite models was his brother Diego Giacometti.[1]

Giacometti was a key player in the Surrealist Movement, but his work resists easy categorization. Some describe it as formalist, others argue it is expressionist or otherwise having to do with what Deleuze calls 'blocs of sensation' (as in Deleuze's analysis of Francis Bacon). Even after his excommunication from the Surrealist group, while the intention of his sculpting was usually imitation, the end products were an expression of his emotional response to the subject. He attempted to create renditions of his models the way he saw them, and the way he thought they ought to be seen. He once said that he was sculpting not the human figure but "the shadow that is cast."

Scholar William Barrett in Irrational Man: A Study in Existential Philosophy (1962), argues that the attenuated forms of Giacometti's figures reflect the view of 20th century modernism and existentialism that modern life is increasingly devoid of meaning and empty. "All the sculptures of today, like those of the past, will end one day in pieces... So it is important to fashion ones work carefully in its smallest recess and charge every particle of matter with life."

Source: Giacometti wikipedia s page

vendredi 16 novembre 2007

Jeff Koons





Jeff Koons was born in York, Pennsylvania; as a teenager he revered Salvador Dalí, to the extent of visiting him at the St. Regis Hotel in New York City. Koons attended the School of the Art Institute of Chicago and the Maryland Institute College of Art, and studied painting. After college he worked as a Wall Street commodities broker, whilst establishing himself as an artist. He gained recognition in the 1980s, and subsequently set up a factory-like studio in a SoHo loft on the corner of Houston and Broadway in New York. This had over 30 staff, each assigned to a different aspect of producing his work—in a similar mode to both Andy Warhol's Factory and many Renaissance artists.

Koons' early work was in the form of conceptual sculpture, one of the best-known being Three Ball 50/50 Tank, 1985, consisting of three basket balls floating in water, which half-fills a glass tank.

Koons carefully cultivated his public person by employing an image consultant— something that at the time was unheard of for a contemporary artist. As an artwork in their own right Koons placed full page advertisements in the main international art magazine featuring photographs of himself surrounded by the trappings of success. During personal appearances and interviews Koons began to refer to himself in the third person.

Koons then moved on to "Statuary", the large stainless-steel blowups of toys, and then a series "Banality", which culminated in 1988 with Michael Jackson and Bubbles—stated to be the world's largest ceramic—a life-size gold-leaf plated statue of the sitting singer cuddling Bubbles, his pet chimpanzee. Three years later it sold at Sotheby's New York as Lot 7655 for $5,600,000, tripling Koons' previous sale record. The statue was acquired in 2002 by the Astrup Fearnley Museum of Contemporary Art in Oslo, Norway, and is exhibited there.

Source: wikipedia Jeff Koons s page
- Jeff Koons official website

"Eastern Promises", directed by David Cronenberg




The mysterious and charismatic Russian-born Nikolai Luzhin is a driver for one of London's most notorious organized crime families of Eastern European origin. The family itself is part of the Vory V Zakone criminal brotherhood. Headed by Semyon, whose courtly charm as the welcoming proprietor of the plush Trans-Siberian restaurant impeccably masks a cold and brutal core, the family's fortunes are tested by Semyon's volatile son and enforcer, Kirill, who is more tightly bound to Nikolai than to his own father. But Nikolai's carefully maintained existence is jarred once he crosses paths at Christmastime with Anna Khitrova, a midwife at a North London hospital. Anna is deeply affected by the desperate situation of a young teenager who dies while giving birth to a baby. Anna resolves to try to trace the baby's lineage and relatives. The girl's personal diary also survives her; it is written in Russian, and Anna seeks answers in it. Anna's mother Helen does not discourage her, but Anna's irascible Russian-born uncle Stepan urges caution. He is right to do so; by delving into the diary, Anna has accidentally unleashed the full fury of the Vory. With Semyon and Kirill closing ranks and Anna pressing her inquiries, Nikolai unexpectedly finds his loyalties divided. The family tightens its grip on him; who can, or should, he trust? Several lives - including his own - hang in the balance as a harrowing chain of murder, deceit, and retribution reverberates through the darkest corners of both the family and London itself.

Source: IMDB



New York rafle la mise sur l’art contemporain



«Diamond (Blue)», de Jeff Koons, vendu pour plus de 8 millions d’euros (Christie’s).

Après les déceptions des ventes impressionnistes et modernes, les acheteurs, souvent américains, montrent clairement leur enthousiasme pour les stars d’aujourd’hui.

Est-ce le vent du boulet, le pressentiment que le marché de l’art ne peut continuer à surfer impunément sur de telles sommes et va tomber de haut au premier ressac financier, comme un joueur qui mise trop gros ? Ou est-ce la confirmation que l’art contemporain révolutionne la société et attire désormais tous les publics du monde à son théâtre ?

Il y avait foule comme jamais à New York pour cette semaine de ventes contemporaines qui a effacé sous une avalanche de records (16 chez Christie’s mardi soir, 17 chez Sotheby’s le lendemain) les réserves de la semaine dernière (nos éditions du 9 novembre). En trois soirées chauffées à blanc, l’art contemporain, qui était un marginal à petits prix il y a seulement dix ans, a imposé ses valeurs toujours plus à la hausse et ses favoris disputés à coups de millions de dollars, comme les stars hollywoodiennes d’un casting international.

Faites vos jeux, la banque ne saute pas cette semaine ! Forte de son tabac impressionniste et moderne tout neuf (349,9 M$), Christie’s a ouvert le feu avec la collection Allan Stone, lundi soir (52,42 M$, 90 % de lots vendus et 94 % en valeur). Un premier round d’un optimisme bluffant qui a été marqué par les records pour le peintre acidulé de San Francisco, Wayne Thiebaud (4,5 M$), pour le broyeur de belles mécaniques, John Chamberlain (2,84 M$), et pour le Russe de New York, le peintre mélancolique John Graham (1,6 M$), trois artistes aux couleurs de l’Amérique. La preuve, si l’on en cherchait encore, que l’argent est toujours là, comme l’océan Atlantique qui sépare nos deux cultures si différentes face à l’avenir. L’argent est ici le moteur de l’action, prêt à investir l’art coûte que coûte, quitte à couronner parfois des artistes jugés secondaires en Europe.
Seize nouveaux records

Mardi soir, la maison de François Pinault enfonçait le clou avec son Evening Sale pourtant lourde de garanties, ce poison galopant des ventes aux enchères qui pose la question des bénéfices réels à l’heure des bilans (325 M$ avec 93 % des lots vendus et 94 % en valeur). Un succès spectaculaire aux multiples facettes travaillées comme le diamant bleu en acier laqué de Jeff Koons posé devant l’entrée de Rockefeller Plaza, vendu par l’éditeur de Cologne, Benedict Taschen, et acheté au prix record de 11,8 M$ par Larry Gagosian, marchand de Jeff Koons et roi sibyllin de Manhattan. Parmi les seize nouveaux records établis ce soir-là sous le marteau dynamique de Christopher Burge, il y avait des légendes comme Lucian Freud (19,3 M$) ou Richard Prince, le cow-boy du détournement plastique intronisé au Guggenheim (6,089 M$ pour sa Piney Woods Nurse), mais aussi quantité de nouvelles gloires comme le Chinois de Tiananmen Square, Zhang Xiaogang (3,96 M$), ou la Californienne Liza Lou qui réinvente le rêve américain (337 000 $ son Autoportrait en paillettes).

Mercredi soir, Sotheby’s l’Américaine oubliait tous les mauvais jours et la facture sévère des invendus impressionnistes et modernes de la semaine passée, en réalisant sa plus haute vente aux enchères de sa longue histoire : 315,9 M$, avec 91,6 % de lots vendus et 98,2 % en valeur.

Ironie du sort ? Ce triomphe alimenté par le meilleur du maître Francis Bacon (45,96 M$ sa corrida magistrale et 33,08 M$ son autoportrait si charnel et poignant) doit beaucoup aussi au cœur magenta de Jeff Koons. Qui eût cru pareil triomphe pour l’énorme faveur en acier laqué comme celle accrochée à l’entrée du Palazzo Grassi par le grand rival François Pinault pour inaugurer sa collection à Venise, en 2006 ? C’est encore Larry Gagosian qui a emporté à 23,56 M$ cette vision pop et surdimensionnée du quotidien américain le plus kitsch.
Le monde des enchères

Alléchés à l’idée d’une crise, nombre de titres peu portés sur l’art et sa cote avaient dépêché leurs correspondants politiques à ces événements new-yorkais que sont les grandes ventes contemporaines. Berlinois, Anglais, certains découvraient le monde des enchères, jeu d’apparences codé comme les échecs, et devaient céder les premières loges aux hordes de TV venus filmer le phénomène comme la montée des marches au Festival de Cannes. Les amateurs de people avaient leur butin : l’acteur Hugh Grant reparti avec un maigre sourire après avoir vendu pour 23,5 M$ chez Christie’s sa Liz de Warhol sur fond turquoise, achetée seulement 3,5 M$ en 2001 ; Larry Gagosian suçant sa Chupa Chups rouge avant d’enchérir en milliardaire ; le couturier Marc Jacobs, statue mode avec ses cheveux courts bleu nuit, qui répondait par sa présence aux attaques du New York Times qui titrait «Loving an hating Marc Jacobs» («Aimer un Marc Jacobs détestable») en une de son cahier styles hier. L’art, quel cinéma !

Par Valérie Duponchelle, le 16/11/2007

Source: lefigaro.fr
New York rafle la mise sur l’art contemporain

mardi 13 novembre 2007

Alerte rouge sur les enchères a Manhattan





Les garanties offertes par les maisons de vente ont incité les collectionneurs à vendre leurs oeuvres. Si Christie’s tire son épingle du jeu, Sotheby’s paie les frais de ses estimations délirantes.

« Enfin, il était temps que le marché se réveille et corrige de lui-même ses excès !» Ce cri lancé par plusieurs courtiers et marchands, mercredi soir, à l’issue du résultat décevant de la vente impressionniste et moderne de Sotheby’s (269,7 M$, bien en dessous de l’estimation basse de 355,6 M$, avec 20 invendus sur 76), remet sérieusement les pendules à l’heure. Après le beau temps, voici la pluie et le froid sur Manhattan où le climat change comme le caméléon de couleur.

« Nous avons eu des bons moments, mais aussi des moments plus rudes, résumait, laconiquement, David Norman, en charge du département chez Sotheby’s à New York, mais cela ne veut pas dire que le marché faiblit. » La chute du Dow Jones, annoncé le matin, ne semble pas avoir déstabilisé la planète art qui a, certes, perdu une partie de ses collectionneurs venus de la finance mais en a retrouvé d’autres, venant des quatre coins du globe, aussi riches et aussi soucieux d’accrocher sur leurs murs des icônes à la hauteur de leur fortune. Jadis ce monde était réservé à une petite élite de collectionneurs.

Contrairement à la veille chez Christie’s, où la joie semblait l’emporter sous l’oeil radieux de François Pinault, discret, dans un box, à l’étage (349,9 M$ de produit vendu, au-dessus de l’estimation basse de 348,6 M$ mais en dessous de la fourchette haute de 487,4 M$, seulement 17 invendus sur 91 lots), l’humeur était plutôt en berne chez Sotheby’s. Dans la grande salle qui n’avait pas fait le plein, l’auctioneer, Tobias Meyer, un peu sec au marteau, n’a pas réussi à électriser la vente. Les invendus sont tombés comme les petits pains pour les Champs de blé peint le 10 juillet 1890 par Van Gogh, ravalé à 25 M$, loin de l’évaluation beaucoup trop forte de 28-35 M$ pour une toile un peu fade et, surtout, longtemps vue à la galerie Acquavella.

Mais aussi pour le Picasso, La Lampe, grande toile de 1931 pas vraiment séduisante au vu de son estimation de 25-35 M$. Pour L’Enfant assise en robe bleue de Renoir qui s’arrêta à 7,7 M$, L’écho de Georges Braque stoppé net à 13 M$ ou le Miro, Les jasmins embaument de leur parfum doré la robe de la jeune fille, en panne d’enchères à 4,7 M$. Ou encore pour le Bonnard et sa Jeune fille jouant avec un chien, sujet en multiples versions estimé plus du double de son juste prix, à 3-4 M$.

Un retour au sérieux

Preuve de la bonne santé du marché ? Les acheteurs ont tout simplement tiré la sonnette d’alarme. Las de la spéculation galopante des garanties offertes par les maisons de vente poussées par une compétition effrénée (plus de 25 lots pour Sotheby’s !), les obligeant ainsi à promettre monts et merveilles aux vendeurs en affichant des estimations délirantes. Premier à en payer les frais, le Gauguin, Te Poipoi (Le Matin), vedette du catalogue de Sotheby’s adjugé 39,24 M$, en dessous des 40-60 M$ promis à la famille de Joan Whitney Payson. Le plus haut prix, toutefois, pour cette saison impressionniste et moderne.

« Il n’est pas difficile de prévoir ce qui va être vendu avec succès ou non », souligne en observateur avisé, le marchand Daniel Malingue. Ainsi la belle série de gouaches sur papier d’Egon Schiele, provenant de la collection de Christian M. Nebehay en ouverture de la vente de Sotheby’s, suscita l’excitation avec L’Autoportrait avec chemise à carreaux emporté par le courtier Frank Giraud pour un collectionneur européen à 11,35 M$, le double de son estimation de 4,5-6,5 M$. Le même Frank Giraud enleva, pour un privé américain, contre quatre autres enchérisseurs, la Tête de femmes (Dora Maar ) en bronze par Picasso. C’est un record pour une sculpture de l’artiste.

Si les professionnels espéraient tous un retour au sérieux, personne ne s’attendait à ce que le marché opère si vite un réajustement. Surtout après les très bons résultats, la veille, chez Christie’s qui enregistra plusieurs records - 33,6 M$ pour L’Odalisque, Harmonie bleue de Matisse de 1937 (nos éditions du 8 novembre) - et nombre de très beaux prix - 30 M$ pour le Picasso tardif de 1955, Femme assise dans un costume turc (Jacqueline), mis en vente par la Nahmad Gallery qui réalise une belle plus-value pour cette toile vendue 2,5 M$, en 1995, chez Sotheby’s. Voilà une volte-face du marché qui s’avère salutaire à une semaine des ventes contemporaines où Christie’s et Sotheby’s se disputent la surenchère avec leurs oeuvres monumentales de Jeff Koons. Pour l’une, un diamant bleu (12 M$). Pour l’autre, un coeur rose (15-20 M$), identique à celui de la collection de François Pinault, qui risque d’enflammer les coeurs.
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Source: Béatrice de Rochebouët, lefigaro.fr
Alerte rouge sur les enchères à Manhattan

"Planet Terror",from Robert Rodrguez



After an experimental bio nerve gas is accidentally released at a remote U.S. military base in Texas, those exposed to the gas turn into flesh-eating, mutating zombies out to kill. An assortment of various people who include stripper Cherry (Rose McGowen), her shady mechanic ex-boyfriend Wray (Freddy Rodriguez), a strong-willed doctor (Marley Shelton), the local sheriff, and an assortment of various people must join forces to survive the night as the so-called "sickos" threaten to take over the whole town and the world.
Source: IMDB.com

Grindhouse website



"Death Proof", from Quentin Tarantino





Originally released as a second-billed movie part of Grindhouse, Death Proof, a throwback to the 1970s exploitation road-chase movies, features Kurt Russell as Stuntman Mike, a former Hollywood stunt race car driver who targets and kills women with his "death-proof" stunt car. In Act I, Mike surfaces in Austin, Texas to target a group of women whom he knows; Jungle Julia (Sydney Poitier) an outgoing, dope-smoking, radio DJ/fashion model meeting her old school friends for a night on the town whom are sentimental model Arlene (Vanessa Ferlita), and local bad-girl Shanna (Jordan Ladd), as well as bar-nut hippie Pam (Rose McGowen) who tries to make Mike notice her, unaware of his sociopath and misogynist tendencies. In Act II, Stuntman Mike surfaces in Tennessee where he randomly picks another another group of women to stalk all of whom work in the motion picture business; Abernathy (Rosario Dawson) is a make-up girl and stand-in wanting a chance of pace in her life. Lee (Mary Elizabeth Winstead) is a naive B-movie actress. Kim (Traci Whoms) is a tough-minded stunt woman always wanting action. And Zoe (Zoe Bell) is a fellow stunt woman from New Zealand visiting her friends. However, the second set of girls proves more though to get, and because of a combination of bad luck and Stuntman Mike's carelessness, the girls decide to turn the tables on their tormentor for revenge of their own...
Source: IMDB.com

Grindhouse website



vendredi 9 novembre 2007

Le marché de l'art s'inquiète du scandale Salander-O'Reilly

Est-ce le "Enron du monde de l'art ?", s'interroge l'hebdomadaire The New York Observer au sujet du scandale Salander-O'Reilly. Cette affaire a débuté le 16 octobre quand le juge Lowe, Justice de son prénom, de la Cour suprême de l'Etat de New York, a ordonné la fermeture à titre conservatoire d'une galerie de l'Upper East Side de Manhattan. Le jour même où des invités de marque se pressaient devant les locaux pour assister au vernissage d'une exposition de prestige consacrée aux maîtres anciens, avec le Caravage en vedette.

Dirigée par Lawrence Salander, la galerie Salander-O'Reilly est une institution. Couvrant l'art de toutes les périodes, jusqu'à l'époque contemporaine, elle a été distinguée par un guide du luxe mondial, le Robb Report, comme la meilleure au monde en 2003.

Lawrence Salander est membre des principales associations de marchands américains et figure régulièrement dans le classement annuel du magazine ArtReview parmi les 100 personnalités les plus influentes du monde de l'art. Parmi ses clients, l'acteur Robert De Niro, qui l'a chargé de diffuser les tableaux que peignait son père, De Niro Sr., ou encore l'ancien joueur de tennis John McEnroe.

Ce dernier compte parmi les plaignants qui ont conduit le juge Justice Lowe à rendre sa décision. John McEnroe avait, selon le New York Times, confié 162 500 dollars au marchand pour qu'il achète des oeuvres puis les revende avec un profit escompté à 325 000 dollars. Somme qu'il n'aurait jamais reçue, même si l'avocat de la galerie affirme que McEnroe aurait toutefois touché 200 000 dollars.

Les plaignants, au nombre d'une douzaine pour l'instant, sont, pour la plupart, moins des collectionneurs que des investisseurs, comme Roy Lennox, qui dirige un hedge fund, ou Renaissance Art Investors, un fonds spécialisé dans l'achat et la revente de tableaux anciens.

"CRÉDITEURS AVARES"

Mais il y a aussi une galerie de Rome, qui lui aurait vendu des tableaux restés impayés, et le fils de l'artiste Stuart Davis, qui lui avait confié la gestion de l'oeuvre de son père.

Lawrence Salander, cité par le New York Times, estime que ce procès lui est intenté par "des amis, ou des gens que je prenais pour des amis, qui ont toujours été payés pour les peintures que j'ai vendues pour eux. J'ai toujours payé mes factures, depuis quarante ans dans ce métier, et je vais continuer à le faire".

Pour un de ses avocats, le problème vient des "créditeurs avares qui essaient de tirer avantage des soucis de liquidités de la galerie". Car elle en a : la Bank of America la poursuit pour une dette de 2 millions de dollars, et l'American Express reproche à M. Salander un débit de 700 000 dollars sur sa carte de crédit.

Le plus surprenant dans cette affaire, c'est que les ennuis de Lawrence Salander étaient connus depuis plusieurs mois. Rarement citée par ses confrères new-yorkais, la revue spécialisée Maine Antique Digest avait fait état, à travers plusieurs longues enquêtes, des soucis juridiques de Lawrence Salander dès cet été. Dans un nouvel article, elle évoque désormais des pratiques de cavalerie, l'argent des nouveaux investisseurs servant à payer les dettes dues aux anciens. Pour le New York Observer, "les conséquences sur le marché de l'art peuvent être importantes. Le scepticisme à propos de la fiabilité des marchands peut détourner les investisseurs vers les maisons de vente aux enchères, au détriment du système des galeries".

Harry Bellet
Article paru dans l'édition du 02.11.07

Source: lemonde.fr
Le marché de l'art s'inquiète du scandale Salander-O'Reilly

jeudi 8 novembre 2007

"Todo sobre mi madre', directed by Pedro Almodovar




A single mother in Madrid sees her only son die on his 17th birthday as he runs to seek an actress's autograph. She goes to Barcelona to find the lad's father, a transvestite named Lola who does not know he has a child. First she finds her friend, Agrado, also a transvestite; through him she meets Rosa, a young nun bound for El Salvador, and by happenstance, becomes the personal assistant of Huma Rojo, the actress her son admired. She helps Huma manage Nina, the co-star and Huma's lover, and she becomes Rosa's caretaker during a dicey pregnancy. With echoes of Lorca, "All About Eve," and "Streetcar Named Desire," the mothers (and fathers and actors) live out grief, love, and friendship.

source imdb



mardi 6 novembre 2007

The Sots Art






Since the 1970s the "two-man collective" of Vitaly Komar and Alexander Melamid have used their paintings, installations, and performances to debate, negotiate, and critique the process by which governments and other power elites manipulate both history and art history in their efforts to achieve specific ideological goals. In these works, they examine the central role images play in bolstering and validating systems of belief and power, and they interrogate the continual recycling and re-inventing of political, social, and artistic traditions, which are consequently revealed to be depleted of any authentic meaning. While they have identified the historical continuity of particular tropes of representation, they recognize the paradoxical process by which seemingly fixed categories such as nation and truth shift over time. Their work is also fundamentally rooted in a playful sense of irony apparent since their earliest efforts, in which they mocked the pretensions of official Soviet art to debunk the ideologies the works were meant to embody and promote.

Komar and Melamid actively deconstruct historical and art historical categories by mining and combining sources across temporal and geographical boundaries. The resulting pastiche of apparently disparate styles, images, and cultures reveals the fluid nature of the canonic narratives of history and art history, as they shift in response to the political, social, economic, and cultural agendas of various regimes. Their dialogic process invites the viewer's active consideration of these narratives, which, in combination with the artists' biting parodies of their original sources, results in art that is both thought-provoking and entertaining. Indeed, Komar summarized the essence of their art praxis: "I like this notion: art as entertainment that poses questions."

In the early 1970s Komar and Melamid founded a mode of conceptual Pop art in the Soviet Union known as Sots-Art [akin to Pop Art, but using the visual language of Socialist rather than capitalist mass culture--RJS]. They and other Soviet nonconformist artists produced work that challenged the rigid dictates of the official style of Socialist Realism. While many of their contemporaries actively rejected direct references to official art, K&M chose to appropriate stock images and texts from high and low culture. Through works in various media and styles, they emphasized the repetitive and kitschy nature of their sources, underscoring the ironic condition of Soviet visual culture. These images and texts had become bankrupt tools of propaganda while remaining part of a shared social language as legible to Soviet audiences as Andy Warhol's soup cans were to U.S. viewers.

Valerie Hillings
Source: The Post-Utopian Art of Vitaly Komar & Aleksandr Melamid(Sots Art: 1970s, '80s)

See further: Komar and Melamid's Dialogue with History - Art

lundi 5 novembre 2007

Bataille sur le front de l'art soviétique

Sur fond de polémique après la censure de 19 pièces destinées à l'exposition de la Maison Rouge, près de 200 oeuvres retracent l'histoire du « Sots Arts », le premier mouvement artistique antisoviétique dans les années 1970.

APRÈS le vif débat provoqué par la censure des autorités russes de 19 pièces interdites de sortie pour l'exposition de la Maison Rouge, « Sots Art, art politique en Russie de 1972 à nos jours », la polémique continue de plus belle à Moscou, où le gouvernement cherche, non sans duplicité, à apaiser les esprits sans toutefois renier ses positions. Mercredi dernier, le ministre de la Culture, Alexandre Sokolov, qui avait déjà déclaré publiquement que ces oeuvres étaient « de la pornographie et une honte pour la Russie », s'est félicité d'avoir mis un terme au conflit en interdisant leurs venues, notamment celles « ordurières des portraits d'hommes politiques dans des poses obscènes » des Blue Noses (les « Nez bleus »), duo de choc parmi l'un des plus populaires de la nouvelle Russie qui ose s'attaquer aux trois tabous que sont le sexe, la religion et bien sûr Poutine.

Maniant humour, dérision et provocation, Viatcheslav Mizine et Alexandre Chabourov étaient pourtant parmi les stars de la dernière Fiac, à la cour Carrée du Louvre, avec leurs séries Maski Show, photomontages moquant les grands de ce monde, sur le stand de la galerie Guelman de Winzavod, le nouveau quartier art de Moscou. Fiers de leur image interdite montrant le président ukrainien Viktor Ioutchenko nu à côté de l'égérie de la « révolution orange » Ioulia Timochenko, mais aussi avec des oeuvres rajoutées à la dernière minute, notamment des vidéos à faire sourire, y compris, les plus récalcitrants.

Même si le ministre russe de la Culture a rassuré l'opinion sur le fait qu'il « n'est pas en son pouvoir d'interdire quelconque exposition » et que « cette décision vise à protéger la réputation et la caution d'un musée d'État ». Quelle décision va-t-il prendre vis-à-vis d'Andreï Erofeev, le conservateur de la galerie Tretiakov à Moscou (l'équivalent local de notre Centre Pompidou), organisateur de cette exposition pourtant déjà montrée en mars pendant la IIe Biennale d'art contemporain de Moscou ? L'oeuvre corrosive de la jeune Vikente Niline - montage vidéo des voeux annuels du président auquel ont été ajoutés des rires de sitcom - avait été dès le départ exclue de la liste par la censure comme le mentionnait une journaliste du City Magazine Afisha, aussitôt licenciée.

Un foyer de résistance

« Si la Russie voulait censurer cette exposition officielle faite soi-disant dans le dos de l'administration, il fallait le faire dès le départ », estime Antoine de Galbert, fondateur de la Maison Rouge à la Bastille et collectionneur réputé du marché, qui a bénéficié pour cette exposition du soutien de la Société d'encouragement des beaux-arts, fondation privée progouvernementale composée notamment d'actionnaires de Gazprom. « Nous ne sommes pas dans la configuration des années de plomb où les artistes underground étaient vraiment victimes d'une persécution systématique et codifiée. Ceux-ci sont libres d'exposer de par le monde dans les foires et les galeries. Ceci donne une image plutôt favorable d'un pays en train de s'ouvrir », ajoute Antoine de Galbert qui tente de calmer le jeu.

Mais l'autoritarisme politique qui frappe la Russie à l'approche des élections touche par ricochet la scène artistique. Celle-ci a toujours été un extraordinaire foyer de résistance comme le montre avec force, violence et parfois désespoir, cette énorme exposition très bien articulée sur 2 000 m² pour retracer l'histoire de « Sots Art » ; mouvement dénommé ainsi par analogie avec le pop art, à partir des mots art et socialisme, en s'appropriant les slogans de la propagande pour les rendre ridicules, voire grotesques. Celui-ci est né au début des années 1970, après le règne du réalisme socialiste, sous l'impulsion de Vitaly Komar et Alexandre Melamid, et s'est développé en franchissant les frontières de l'URSS avec des personnalités fortes comme Vagrigh Bakhchanyan, Ilya Kabakovv ou Dimitri Prigov. Staline, Lenine, Brejnev et Poutine sont les vedettes de leurs oeuvres dans des situations cocasses avec des stars du show-biz ou des noms célèbres de l'histoire. Toute l'âme de la Russie est là dans ce parcours fort, drôle, décapant et surtout riche en émotions.

La Maison Rouge, 10 bd de la bastille, 75012 Paris, jusqu'au 20 janvier, www.lamaisonrouge.org

Par BÉATRICE DE ROCHEBOUËT.
Publié le 30 octobre 2007

Source: lemonde.fr, Bataille sur le front de l'art soviétique